Skira Paris

  • World press photo

    Collectif

    Depuis 1955, le concours annuel World Press Photo est le rendez-vous mondial du journalisme visuel. Ce livre présente les gagnants du World Press Photo 2020, à travers les images les plus marquantes et les reportages les plus convaincants qui ont été retenus parmi les 73 966 photos prises par 4282 photographes de 125 pays. Sélectionnés par un jury indépendant de professionnels, les gagnants des prix sont mis à l'honneur dans ce document empreint d'émotions et représentatif du meilleur journalisme visuel de l'année 2019.

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  • Monographie centrée sur les dernières années de l'oeuvre de l'artiste colombien F. Botero, dont la dilatation des corps, caractéristique de son travail, donne à ses personnages une dimension singulière allant de l'abstraction au grotesque

  • L'art et la manière ; guide pratique sur les décors peints en trompe-l'oeil Nouv.

  • La culture olmèque et les civilisations qui, géographiquement et culturellement, lui étaient proches, sont restées méconnues jusqu'à la deuxième moitié du XIX? siècle et le sont encore souvent aujourd'hui du grand public. Apportant des clefs de compréhension essentielles, les textes et les cartes de l'ouvrage mettent particulièrement en lumière les divers sites archéologiques liés à ces remarquables civilisations dont « La Venta », « El Tajín » et « Tamtoc ». Ils apportent également des analyses sur des cultures d'une profonde sensibilité artistique qui ont joué un rôle éminent dans l'histoire du Mexique et de sa région. Durant trois millénaires, les grandes sociétés mésoaméricaines entretinrent entre elles des relations à l'origine d'oeuvres sculpturales, de systèmes d'écritures, de rituels, etc. En témoigne la mise en place d'une pensée et de canons mésoaméricains (économiques, sociaux, politiques, intellectuels et artistiques) qui perdurèrent jusqu'à la conquête espagnole.

    Ce catalogue d'exposition reproduit plus d'une centaine de pièces, dont beaucoup encore jamais exposées en dehors du Mexique. Tout à la fois un outil de connaissance et un « beau livre », il s'adresse aussi bien aux passionnés qu'au grand public.

    Sous la direction scientifique de Dominique Michelet, archéologue mésoaméricaniste et directeur de recherche au CNRS, les textes de spécialistes aident ainsi à mieux comprendre l'immense diversité du monde précolombien du golfe du Mexique.

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  • Dylan by Schatzberg

    Jerry Schatzberg

    Premier livre présentant la collection de photos célèbres et d'images rares de Bob Dylan du photographe Jerry Schatzberg.
    En 1965, le photographe Jerry Schatzberg, déjà bien affirmé grâce à son travail pour des revues et des magazines, rencontre le jeune Bob Dylan qui est sur le point de devenir célèbre. Dylan a invité le photographe au studio où il enregistre un album qui deviendra Highway 61 Revisited, comprenant le titre « Like a Rolling Stone », qui sera classée au premier rang des 500 meilleures chansons de tous les temps par le magazine Rolling Stone's.
    Les photographies de Dylan prises par Schatzberg nous montrent le futur lauréat du prix Nobel au cours de l'un des moments créatifs les plus importants de l'histoire de la musique. Elles comprennent également la réalisation de ce que l'on pourrait considérer comme le plus grand album de Dylan, Blonde on Blonde.
    En tant que musicien, Dylan a vendu plus de 100 millions de disques, ce qui fait de lui l'un des artistes les plus vendus de tous les temps. Il a également reçu de nombreux prix, dont onze Grammy Awards, un Golden Globe Award et un Academy Award, et il a été intronisé au Rock and Roll Hall of Fame. En 2016, il a reçu le prix Nobel de littérature « pour avoir créé de nouvelles expressions poétiques dans la grande tradition de la chanson américaine ».
    Ce livre comprend également des rééditions d'interviews historiques fondamentales, y compris « A Night with Bob Dylan » d'Al Aronowitz, publiée dans le New York Herald Tribune en 1965.

  • Artiste protéiforme, Barthélémy Toguo s'exprime aussi bien par la performance, que grâce aux installations, mais il recourt avec virtuosité au dessin, à la sculpture, à la peinture ou à l'aquarelle selon le message de l'oeuvre et le médium qui lui semble le plus adapté.

    Artiste international, il vit et travaille aujourd'hui entre Paris et Bandjoun au Cameroun et ses expositions parcourent le monde. Ses créations sont intimement liées à sa vie, elle s'inspirent de son expérience, de ses voyages et rencontres.

    Son travail possède aussi une forte dimension politique contre toute forme d'inégalité. Il s'intéresse notamment aux flux, de marchandises mais aussi d'êtres humains entre l'Occident et l'Afrique. On retrouve souvent dans ses oeuvres les motifs de la migration, du colonialisme, de la race, ou de l'exil.

    Mais l'engagement personnel de Barthélémy Toguo se situe aujourd'hui surtout autour de la question de la promotion de l'art en Afrique et plus spécifiquement dans son pays natal, le Cameroun. En 2008, il inaugure Bandjoun Station, un lieu dédié à l'art dans toutes ses disciplines, où ont lieu des expositions, des rencontres, des ateliers et résidences d'artistes. L'accent y est également mis sur la formation scolaire et son fonctionnement économique propre est celui d'une exploitation agricole visant à l'autonomie de ce lieu unique.

  • Architecte, urbaniste et designer, Jean-Michel Wilmotte, est le fondateur de l'agence d'architecture qui porte son nom. Il a marqué de son empreinte de nombreux projets qui n'ont cessé de surprendre et de susciter l'admiration.

    En quarante ans, Wilmotte & Associés s'est imposée comme l'une des agences d'architecture les plus prestigieuses au monde dans les domaines de la muséographie et de la scénographie d'expositions.

    Qu'il intervienne dans un bâtiment neuf ou ancien, Jean-Michel Wilmotte cherche toujours à instaurer une relation profonde entre l'objet d'art, l'espace et le visiteur. Son travail se caractérise par une recherche de transparence et une clarification de l'espace - éviter la surcharge et la superposition - de manière à faire place nette autour des oeuvres et leur permettre d'exister pour et par elle-même. Cette aspiration à l'effacement et à la sobriété engendre une grande sensation de sérénité dans des lieux qui magnifient les oeuvres et guident le regard des visiteurs.

    L'agence Wilmotte & Associés est ainsi intervenue lors de commandes de grande envergure notamment pour le musée du Louvre à Paris (Aile Richelieu et département des Arts premiers au Pavillon des Sessions), le musée des Arts islamiques du Qatar à Doha, le musée d'Orsay à Paris (réaménagement des salles consacrées aux Impressionnistes), le Rijksmuseum à Amsterdam. Elle a également scénographié un grand nombre d'expositions temporaires : pour la Collection Pinault à Venise, le musée du quai Branly - Jacques Chirac et le musée des Arts décoratifs à Paris, entre autres.

  • 120 ans après sa première publication.
    Ce livre réunit les couvertures de cent vingt numéros et de certains hors-série de la revue Ver Sacrum, ainsi qu'une sélection des inventions les plus importantes dans le domaine de l'impression, comme la xylographie, la lithographie et la gravure sur cuivre.
    Ce livre raconte et illustre l'originalité du langage de la légendaire revue officielle de la Sécession viennoise, dont les premiers numéros ont vu le jour comme de véritables manifestes programmatiques, avant de devenir des pierres angulaires de la modernité. L'objectif de Ver Sacrum était de donner vie à des oeuvres d'art totales, les Gesamtkunstwerk , et chaque numéro se devait donc d'être une oeuvre d'art, une représentation parfaite des idéaux de la Sécession, incarnés par les couvertures de la revue.
    Ver Sacrum fait allusion au « printemps sacré » des anciens peuples latins et à leurs rituels de renouveau. C'était une revue d'une originalité absolue qui a élaboré de nouvelles formes de design, d'illustration et de composition : l'influence qu'elle a exercée constitue une pierre angulaire de la modernité dans l'art occidental.
    Au cours de ses six années d'activité, 471 dessins originaux, 55 lithographies et gravures sur cuivre et 216 xylographies ont été réalisés spécialement pour elle. Conçue par Gustav Klimt, Max Kurzweil et Ludwig Hevesi, cette revue a paru régulièrement de 1898 à 1903 ; elle présentait d'importantes critiques de littérature, de musique et d'art contemporain, mais aussi une riche sélection de gravures et de décorations des maîtres de la Sécession.

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  • Grâce à un alphabet intéractif tout en couleurs, fait de découpages et d'expériences psychomagnétiques, les enfants s'initient de manière ludique aux arts et réalisent leurs propres créations avec l'aide de leurs parents. De plus, l'ouvrage est enrichie de QR codes qui redirigent le lecteur vers des vidéos des oeuvres en mouvement. Une expérience sensorielle, stimulante pour un public d'enfants, toujours avide d'amusement et de découverte.

    L'ouvrage reprend et réadapte parfaitement la démarche artistique de Colmenárez. En effet, ses oeuvres participatives suivent toujours les règles du jeu et « paramètres » qu'il fixe en amont, mais c'est le public, qui décide finalement de l'aspect final qu'il donnera à l'oeuvre.
    Si vous désirez vous aussi participer à ce travail de transformation, rendez-vous à l'exposition dédiée à l'artiste qui se tiendra prochainement au Musée en herbe.

    Maintenant à vos crayons et vos ciseaux

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  • Composé d'au moins 133 dessins du maître, le Cuaderno C (1808- c.1814) est le seul album qui nous soit parvenu pratiquement intact, sans démembrement ni vente ultérieure. Au delà de sa valeur artistique exceptionnelle, le Cuardeno C est aussi un témoignage historique saisissant et un trésor patrimonial unique en son genre. Fruit de l'acuité du regard de Goya, élaboré au cours de la guerre d'indépendance et des années de répression qui suivirent (1808-1820), il offre une vision parfois bouleversante de la société espagnole d'alors : scènes de vie quotidienne souvent marquée par la pauvreté, prisonniers de l'Inquisition, scènes de cruauté dans les prisons, visions rêveuses du monde nocturne. Un autre groupe de dessins concerne la vie monastique, sécularisée par décrets des autorités françaises, et la critique de celle-ci.
    Un essai de José Manuel Matilla Rodríguez, historien de l'art et directeur du département des dessins et estampes du Museo Nacional del Prado, vient accompagner cet exceptionnel ouvrage.

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  • « Scrivere Disegnando n'est pas, dans le sens strict du terme, une exposition sur l'écriture, mais plutôt une exposition sur son ombre, sur une idée d'écriture qui abandonne sa fonction de communication pour s'aventurer sur le chemin de l'illisible et de l'indicible. Notre recherche entend explorer cette tension intrinsèque à la graphie qui oscille entre l'écriture, dans sa dimension proprement sémantique, et la terra incognita de la simple arabesque, de l'automatisme, du signe répété et du gribouillage. » - Andrea Bellini.

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  • Ces photographies de la Fondation Louis Vuitton à Paris sont saisies d'une façon à la fois artistique et urbanistique. Édition bilingue (Français / Anglais)

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  • Genèse d'une commande exceptionnelle.
    À partir de 1982, en prévision de l'ouverture du musée national Picasso-Paris, Diego Giacometti réalise un ensemble de 50 pièces de mobilier pour l'Hôtel Salé, comprenant chaises, bancs, tables et luminaires. Celles-ci marquent l'apogée de son oeuvre et représentent ses dernières créations, puisqu'il décède en juillet 1985, deux mois avant l'ouverture du musée.
    Ce mobilier reprend les différentes thématiques que l'on peut retrouver dans son oeuvre, telles que : le goût pour la nature et le végétal, la relecture des sources antiques, grecques et étrusques, ou encore l'aspiration à créer une véritable « géométrie dans l'air ».
    Pour mieux comprendre son processus créatif, les pièces finales sont mises en regard avec différents plâtres réalisés en cours de commande, ainsi que de nombreux documents d'archives illustrant le travail de Diego Giacometti.
    Ce catalogue sera également complété par deux entretiens qui viendront éclairer la commande du musée : un scultpeur analysera le processus créatif de Diego Giacometti dans ses réalisations pour l'Hôtel Salé, et une designer industrielle présentera la commande passées par le musée à l'ECAL (École cantonale d'art de Lausanne) pour de nouveaux bancs.

    Auteurs:
    Daniel Marchesseau - Conservateur général honoraire du patrimoine et historien de l'art..
    Alexis Georgacopoulos - Designer, directeur de l'ECAL (École cantonale d'art de Lausanne).
    Philippe Anthonioz - Artiste, sculpteur.
    Isabelle Baudraz - Designer industrielle.

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  • Rero

    Théophile Pillault

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  • Cet ouvrge présente un catalogue du travail de Charlotte Perriand (1903 -1999), architecte et designer française, que l'on découvre objet par objet. Ses chaises, ses tables, ses bibliothèques, etc., dans leurs différentes itérations et formes, sont vues à la fois de près et « à la maison » comme faisant partie de l'espace de vie des collectionneurs.
    Des essais permettent de mieux apréhender l'oeuvre de Perriand et de retracer sa vie et sa collaboration avec d'autres grands artistes, designers et architectes de son temps, tels que Le Corbusier et Jean Prouvé. De plus, des citations de l'artiste et des collectionneurs qui vivent avec ses créations ponctuent le livre.
    Son travail visait à créer des espaces de vie fonctionnels en croyant qu'un meilleur design contribue à créer une société meilleure. Dans son article « L'Art de Vivre » de 1981, elle déclare : « L'extension de l'art d'habiter est l'art de vivre - vivre en harmonie avec les pulsions les plus profondes de l'homme et avec son environnement adopté ou fabriqué ».
    Perriand est bien connue pour la façon ludique dont elle a mélangé et superposé les matériaux et les styles dans la plupart des meubles qu'elle a créés durant sa carrière.
    Néanmoins, l'une des influences les plus essentielles sur l'ensemble de son travail a été l'artisanat japonais qui n'a cessé de l'inspirer.

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  • Nombre de grands auteurs du XIXe siècle firent de Paris le cadre privilégié de leurs écrits : tandis que les personnages de Zola se passionnaient pour ce Paris « haché à coups de sabre, les veines ouvertes, nourrissant cent mille terrassiers et maçons », les frères Goncourt voyaient en elle la « Babylone américaine de l'avenir ». Mais les peintres, plus encore peut-être, trouvèrent là une source d'inspiration toujours renouvelée.
    Le paysage urbain n'est certes pas né avec la ville haussmannienne, les illustrateurs ayant toujours exploré ce thème. Mais la ville, telle qu'elle se développe alors, fournit aux artistes de nouveaux motifs, traduits à l'aide de moyens picturaux inédits.
    Paris est saisie comme une entité mouvante et les artistes négligent l'étude des monuments ou de l'anecdote pour lui préférer la recherche de ce « merveilleux moderne », de cette poésie urbaine dont Baudelaire se fait le héraut. La ville s'impose, lisible, ample, monumentale, dans les compositions de Manet, Caillebotte ou Monet. Les impressionnistes s'identifient à la vie urbaine dynamique, toujours changeante selon les variations de la lumière, et la montrent sous un jour neuf. Les transformations de Paris engendrent de grands bouleversements dans le mode de vie de ses habitants : cafés et cafésconcerts, brasseries, bals, cirques, opéras et théâtres, parcs et jardins publics, courses, se multiplient, fournissant autant de thèmes aux artistes à la recherche de cette « beauté mystérieuse ».

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  • Ce catalogue d'exposition atypique est destiné à un public de 6 à 12 ans. Il présente une brève histoire de l'art sous la forme d'enquêtes ludiques et pédagogiques au sein des ateliers des principaux artistes de la fin du xixe siècle et du xxe siècle.
    Le travail de recherche et de reconstitution des ateliers mené par l'artiste Damian Elwes est présenté au jeune public comme une série d'investigations, réalisées par le personnage de Détective Damian que l'on suit tout au long de l'ouvrage.
    En plus des reproductions des oeuvres de Damian Elwes, chaque nouvel atelier sera accompagné d'une anecdote relatant sa découverte, de quelques lignes présentant l'artiste en question et d'un jeu d'observation visant à engager le lecteur dans une expérience active.

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  • Deux maîtres en dialogue.
    Alexander Calder (1898-1976) et Pablo Picasso (1881-1973) ont renouvelé notre façon de percevoir. En explorant des thèmes figuratifs comme abstraits, le catalogue d'exposition Calder-Picasso étudiera l'expression du « vide-espace » dans les oeuvres de ces deux artistes, dans leurs résonances et leurs différences. L'ouvrage s'appuiera sur les traces tangibles d'une relation entre les deux hommes, leurs points communs, leurs rencontres, leurs collaborations artistiques et les confrontations de leurs oeuvres ; ces éléments seront sous-jacents au fil de l'exposition, qui proposera une lecture synthétique et métaphorique de l'oeuvre des deux créateurs fondée sur le tracé du vide comme matrice.
    S'inscrivant dans la modernité au xxe siècle, Calder et Picasso placent au coeur de leur pratique l'expérience directe et personnelle du spectateur, en lui donnant accès à des perspectives obscures voire illusoires. Le catalogue est conçu comme une somme scientifique rassemblant les connaissances sur les relations entre les deux artistes et la lecture de leurs oeuvres respectives à travers le vide comme prisme à l'analyse des tensions conceptuelles et formelles sur lesquelles repose la création de ces deux artistes majeurs du xxe siècle.

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